Mettez en avant le modernisme mexicain du milieu du siècle

Les célèbres sculptures de fils enroulés de Ruth Asawa, actuellement exposées à l'Art Institute of Chicago.


Miles Franklin

/ Le Chicago Maroon

Pour ceux qui ne sont pas experts en histoire du design, le modernisme du milieu du siècle est associé à des pays comme l'Allemagne, la Suède et la Californie du Sud, mais le lien entre le modernisme et le Mexique est moins évident. Exposition de l'Art Institute of Chicago Dans un nuage, dans un mur, sur une chaise: six modernistes au Mexique au milieu du siècle essayez de le changer. Présentant les œuvres de six artistes (Clara Porset, Ruth Asawa, Cynthia Sargent, Sheila Hicks, Anni Albers et Lola Álvarez Bravo) qui vivaient ou travaillaient au Mexique entre 1940 et 1970, cette exposition encourage la discussion sur la contribution du Mexique à modernisme en localisant les points communs entre ces artistes.

L'exposition tire son nom d'une citation de Clara Porset, exilante de Cuba, émigrée au Mexique en 1935. Au cours de son exposition de 1952, L'art au quotidien, A déclaré Porset, "C’est la conception de tout … dans un nuage, dans un mur, dans une chaise, dans la mer, dans le sable, dans un pot". En collaboration avec les autres artistes exposés, Porset travaillait sur un moment crucial de l'histoire du design mexicain, à une époque où le gouvernement mexicain s'efforçait d'établir une identité de design reconnaissable et cohérente.

En combinant les méthodes artisanales mexicaines traditionnelles avec les techniques les plus récentes et les plus technologiquement avancées, Porset a dévoilé sa vision au public, utilisant des meubles pour exprimer la vie quotidienne des Mexicains. Porset de fauteuilpar exemple, a été conçu dans les années 50 et est utilisé depuis des décennies dans le célèbre hôtel Pierre Mundo Imperial à Acapulco. Une des œuvres les plus célèbres de Porset, la Butaque Chaise, a donné une nouvelle vie à un design traditionnel d’Amérique latine en incorporant des matériaux tels que des fibres végétales et du cuir, qui ont permis à la chaise de s'adapter aux différents climats du Mexique. Conformément aux idéaux modernistes de l’époque, Porset s’est également employé à ce que ses versions de Butaque Chaise ils étaient réalisables en série et abordables.

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La chaise Butaque de Clara Porset, exposée à l'Art Institute of Chicago.

Miles Franklin / Le Chicago Maroon


Contrairement à Porset, les œuvres de Ruth Asawa n'étaient pas principalement fonctionnelles, mais plutôt sculpturales. Comme de nombreux autres artistes exposés à l'Art Institute, Asawa a passé ses années formatrices au Black Mountain College, en Caroline du Nord, où il a commencé à explorer le fil pour créer des formes minimalistes et organiques. Ce n’est qu’après son déménagement au Mexique que Asawa a appris sa technique de fabrication d’anneaux au crochet, initialement utilisés pour la création de paniers à œufs, puis pour produire des sculptures en fil de fer. Rappelant le mouvement de l'eau ou même de la toile, ces sculptures enveloppées de fil peuvent être vues suspendues aux plafonds de nombreux musées et espaces publics, notamment le nouveau musée Whitney à New York.

Cynthia Sargent a fait son entrée dans la scène mexicaine de l’art et du design dans les années 60 après avoir quitté New York avec son mari et son collaboratrice artistique, Wendell Riggs. En créant des tapis avec des motifs colorés, fluides et asymétriques, Sargent visait à élever les pratiques de design mexicaines éprouvées, contribuant également avec certaines pièces à Porset. L'art au quotidien. Également connu pour ses compétences entrepreneuriales, Sargent a fondé le Báoar Sábado en 1960, un lieu de négoce toujours ouvert le week-end, où sont exposées des œuvres d'artistes de nombreux lieux d'origine. Sargent et Riggs ont également travaillé ensemble pour former l'éponyme Riggs-Sargent, une société qui a créé des lignes de tissus évolutives préférées des élites mexicaines. Comme il est évident dans son travail, les motifs asymétriques de Sargent évoquent souvent des rythmes musicaux et reçoivent même des titres faisant référence aux noms de compositeurs européens célèbres, ce qui les a aidés à gagner les faveurs de clients qui se considéraient comme des mondains. .

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Des motifs colorés et asymétriques sur les tapis de Cynthia Sargent exposés à l'Art Institute of Chicago.

Miles Franklin / Le Chicago Maroon


Le spectacle a également présenté des œuvres de Sheila Hicks, un autre nom remarquable de la scène mexicaine du milieu du siècle. Sentant un lien avec la forte lignée du tissage mexicain, Hicks a essayé de déconstruire ses pièces pour révéler les nombreuses parties et fils individuels, séparant souvent les fils au centre de chaque travail pour laisser passer la lumière. "Tout bon tisserand le regarderait et dirait: Je ne pense pas que cette femme sache tisser", a-t-il déclaré. Dans les œuvres de Hicks, par conséquent, c'est le médium plutôt que la fin – l'acte de tisser plutôt que le produit tissé – qui est au centre du travail.

Anni Albers, quant à elle, était une élève du vénérable Bauhaus, désormais synonyme de modernisme fonctionnel, de modération visuelle et d’abstraction. Après avoir fui aux États-Unis en 1933, Anni et son mari, Josef Albers, ont commencé à enseigner au Black Mountain College, en Caroline du Nord, où elle a rencontré Porset. Devenu amoureux du Mexique par le biais de Porset, les Albériens se sont rendus au Mexique à plusieurs reprises au fil des ans, contribuant ainsi grandement à sa scène abstraite de design moderne. Albers s'est notamment rendu compte que les formes abstraites qu'il adorait et qu'il créait existaient bien avant son époque dans le tissage autochtone mexicain et américain. Inspiré par cette histoire, Albers a cherché à combiner le moderne et l'ancien dans ses créations, qui ont finalement été produites en série et vendues par Knoll dans les années 70.

Enfin et surtout, Lola Álvarez Bravo, dont les travaux se distinguent également de ce groupe distingué, tant par son et son message. Álvarez était un moderniste dans tous les sens imaginables du mot: travaillant dans le domaine de la photographie dans les années 50, il tentait de capter l'énergie et le potentiel de la modernisation au moyen de photographies illustrant l'industrialisation du Mexique. Recueillant des photographies séparées dans des montages photographiques, Álvarez a présenté ses idéaux socialistes en célébrant à la fois le besoin concret de modernisation industrielle et le besoin culturel de préserver les modes de production traditionnels et riches du Mexique.

Le travail d'Alvarez est intéressant non seulement pour l'expression de sa pensée socialiste et moderniste mexicaine, mais également pour sa place dans l'ensemble de l'exposition. La première chose que vous voyez entre les doubles portes de la galerie est un photomontage de format horizontal, du sol au plafond, qui représente les industriels engagés dans les années 50. Ces photomontages imprègnent toute la galerie, contextualisant constamment le travail de chaque artiste dans le contexte des préoccupations pratiques de son temps de production, résumant de manière précise et détaillée l'idée de l'industrie et de la production en tant qu'art. .

Il est franchement extraordinaire de constater qu’un seul des six artistes présentés est né au Mexique. Le fait que cinq modernistes, entre 1940 et 1970, soient tombés si profondément amoureux du Mexique, de ses traditions et de leur potentiel d'application moderniste, met en lumière l'injustice de la marginalisation de l'impact indélébile du Mexique sur le design cette période. Bien que attendu depuis longtemps, il s'agit d'un pas dans la bonne direction pour souligner les contributions culturelles et géographiques spécifiques de ces artistes à la plus grande conversation sur ce que signifie être moderne au Mexique au XXe siècle.

Dans un nuage, dans un mur, sur une chaise: six modernistes au Mexique au milieu du siècle est exposée jusqu'au 12 janvier 2020 dans l'aile moderne.

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